Gottfried Helnwein.

Artista multidisciplinar al que admiro y que me ha influido.

Gottfried Helnwein.

Gottfried Helnwein (8 de octubre de 1948 Viena, Austria) pintor, fotógrafo, artista del performance y de instalación de origen austríaco-irlandés. Estudió en la Universidad de Arte Visual en Viena (en alemán: Akademie der Künste Bildenden, Wien). Fue galardonado con el premio Master-class (Meisterschulpreis) de la Universidad de las Artes Visuales, de Viena, el premio Kardinal-König y el premio Theodor-Körner. Ha trabajado como pintor, dibujante, fotógrafo, muralista, escultor, artista de performance y de la instalación, utilizando una gran variedad de técnicas y medios audiovisuales. Conocido también por los diseños de vestuario para teatro, ballet y ópera. Podemos nombrar “The Rake’s Progress” de Stravinsky en la Ópera de Hamburgo, “Der Rosenkavalier” de Richard Strauss en la Ópera de Los Ángeles, y en la Ópera Bonn, “Der Ring des Nibelungen” de Wagner, entre otras.

Sus primeros trabajos consistían principalmente de acuarelas hiperrealistas de niños heridos, así como performances —a menudo con niños— en lugares públicos. Helnwein es un artista conceptual, interesado principalmente en la ansiedad psicológica y sociológica, así como en temas históricos y políticos. Como resultado de ello, su trabajo suele ser considerado provocador y polémico.

Helnwein es parte de una tradición que se remonta al siglo XVIII, a la que pertenecen esculturas llenas de muecas y de expresiones faciales exageradas de Messerschmidt. Se observan, además, puntos en común con obras de Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler, otros dos vieneses, que muestran sus propios cuerpos como marco de referencia de la lesión, el dolor y la muerte. También se puede ver la fascinación por el lenguaje corporal expresivo en la obra de Egon Schiele.

Una visión clara parece emerger en el arte de Helnwein y que va a permanecer constante a lo largo de su carrera. Su tema es la condición humana. La metáfora de su arte, aunque incluye autorretratos, está dominada por la imagen del niño, pero no el niño inocente despreocupado como se imagina la gente. Helnwein crea una imagen profundamente inquietante aún provocadora y convincente de que el niño está herido. El niño con cicatrices y el niño marcado emocionalmente. Él retrata la inocencia de la adolescencia en el contexto de los acontecimientos históricos como el Holocausto, para poner de relieve la fragilidad de la humanidad en un mundo inestable.

En el 2004, el Museo de Bellas Artes de San Francisco fue el primer museo norteamericano que organizó la exposición individual de Gottfried Helnwein: “El Niño, las obras de Gottfried Helnwein” ( The Child, works by Gottfried Helnwein) en el Palacio de la Legión de Honor de California (California Palace of the Legion of Honor). El espectáculo fue visto por casi 130.000 visitantes y el San Francisco Chronicle lo citó como la exposición más importante de un artista contemporáneo del 2004. Steven Winn, cronista de arte y crítico cultural, escribió: “el gran formato de Helnwein, imágenes foto-realistas de niños con varios aspectos mostró con valentía el subconsciente de la inocencia, la sexualidad, la victimización y el inquietante aumento de la auto-posesión”.

Harry S.Parker III, Director del Museo de Bellas Artes de San Francisco, explicó lo que hace que el arte de Helnwein sea significativo:

“Para Helnwein, el niño no es sólo el símbolo de la inocencia, sino también de la inocencia traicionada. En el mundo actual, muchos aspectos atentan contra esa inocencia, las fuerzas malévolas de la guerra, la pobreza, la explotación sexual, la alienación y el carácter depredador de los medios de comunicación que por asalto ejercen una fuerte influencia en los niños”. Por otra parte, Robert Flynn Johnson, el curador a cargo de su obra, ha reunido una selección en torno a la reflexión de la obra de Helnwein y con ello, elaboró un ensayo profundo sobre su arte. La obra de Helnwein donde está presente el niño incluye pinturas, dibujos y fotografías, y se extiende desde un sutil hermetismo a escenas de cruda brutalidad. Por supuesto, escenas que testifican la matanza de los inocentes, han sido importantes y motivos muy visitado regularmente en la historia del arte. Lo que hace que el arte de Helnwein sea importante, es su capacidad para hacernos reflexionar emocional e intelectualmente sobre los profundos y expresivos temas que elige. Muchas personas piensan que los museos deben ser un refugio, donde encontrar o descubrir la belleza tranquila, divorciada de la crudeza del mundo. Esta es una noción que por supuesto, vende rápidamente el arte. “Gottfried Helnwein se inspira en muchos aspectos crudos de la vida infantil, los da a conocer lo cual produce incomodidad. Pero también es responsabilidad de los museos, ocuparse de temas importantes, ciertamente polémicos presentes en nuestra sociedad”

Viviendo entre Los Angeles y en Irlanda, Helnwein conoció y fotografió a los Rolling Stones en Londres, e hizo un retrato de John F Kennedy el cual fue la portada de la revista Time en el 20 aniversario del asesinato del presidente. Su propio autorretrato donde aparece gritando y con los ojos vendados y cegado por horquillas (1982), se convirtió en la portada del álbum de Scorpions “Blackout”. Andy Warhol, Muhammad Ali, William Burroughs y la banda de metal industrial Rammstein posaron para él, algunas de sus obras de arte aparecieron en la portada del disco-libro Historia de Michael Jackson. Para el momento de la caída del muro de Berlin, Gottfried Helnwein y Marlene Dietrich escribieron el libro “Some Facts about Myself”. El ensayo fue el último texto que escribió Marlene Dietrich en vida. En 2003 se hizo amigo de Marilyn Manson colaborando con él en el multi-media art-projec “The Golden Age of Grotesque” y en varios vídeo-proyectos experimentales. Entre sus obras publicadas ampliamente está una parodia de la famosa pintura de Edward Hopper Noctámbulos (Nighthawks), titulado Boulevard of Broken Dreams. Esta pintura también inspiró la canción de Green Day del mismo nombre. Examinando sus imágenes desde 1970 hasta el presente, este se ve influenciado por Bosch, Goya, John Heartfield, Beuys y Mickey Mouse, todo filtrado a través de una infancia vienesa postguerra.

En el 2006, Gottfried Helnwein recibe honores por el Consejo de la ciudad de Filadelfia por sus contribuciones artísticas y por mantener viva la memoria del Holocausto.

• The Murmur of the Innocents 24 | 2011

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 200 cm x 300 cm

• The Murmur of the Innocents 23 | 2011

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 180 cm x 275 cm

• The Murmur of the Innocents 22 | 2011

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 200 cm x 300 cm

• The Murmur of the Innocents 20 | 2010

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 180 cm x 118 cm

• The murmur of the Innocents 18 | 2010

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 180 cm x 252 cm

• The murmur of the Innocents 17 | 2010

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 180 cm x 257 cm

• The Murmur of the Innocents 16 | 2010

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 220 cm x 330 cm

• The Murmur of the Innocents 19 | 2010

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 162 cm x 111 cm

• The Murmur of the Innocents | Anna | 2010

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 109 cm

• Murmur of the Innocents 13 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas)

• The Murmur of the Innocents 1 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 198 cm x 290 cm

• The Murmur of the Innocents 6 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 219 cm x 328 cm

• The Murmur of the Innocents 5 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 190 cm x 320 cm

• The Murmur of the Innocents 2 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 197 cm x 297 cm

• The Murmur of the Innocents 4 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 231 cm

• The Murmur of the Innocents 8 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 183 cm x 295 cm

• The Murmur of the Innocents 7 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 165 cm x 226 cm

• The Murmur of the Innocents 9 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 165 cm x 202 cm

• The Murmur of the Innocents 11 | 2009

The Murmur of the Innocents | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 121 cm

• The Disasters of War 28 | 2011

The Disasters of War | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 201 cm x 163 cm

• The Disasters of War 24 | 2007

The Disasters of War | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 195 cm x 242 cm | In Memory of Francisco de Goya

• The Disasters of War 2 | 2007

The Disasters of War | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 194 cm x 317 cm | In Memory of Francisco de Goya

• The Disasters of War 3 | 2007

The Disasters of War | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 200 cm x 293 cm | In Memory of Francisco de Goya

• The Disasters of War 6 | 2007

The Disasters of War | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 201 cm x 272 cm | In Memory of Francisco de Goya

• The Disasters of War 7 | 2007

The Disasters of War | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 199 cm x 281 cm | In Memory of Francisco de Goya

• The Disasters of War 4 | 2007

The Disasters of War | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 204 cm x 299 cm

• The Disasters of War 13 | 2007

The Disasters of War | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 180 cm x 125 cm | In Memory of Francisco de Goya

• Untitled | 2005

Untitled | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 192 cm x 286 cm

• Untitled | 2005

Untitled | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 192 cm x 258 cm

• Untitled | 2005

Untitled | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 192 cm x 249 cm

• Untitled (Modern Sleep) | 2005

Untitled | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 199 cm x 132 cm | detail 21C Museum International Contemporary Art Foundation, , Louisville, Kentucky

• Untitled (Payton 0) | 2005

Untitled | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 481 cm x 334 cm

• Untitled (Payton 1) | 2005

Untitled | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 106 cm

• Untitled (Payton 2) | 2005

Untitled | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 106 cm

• Untitled (Payton 3) | 2005

Untitled | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 106 cm

• Los Caprichos | 2006

Los Caprichos | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 107 cm

• Los Caprichos 3 | 2006

Los Caprichos | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 107 cm

• Sleep 7 | 2004

Sleep | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 152 cm x 111 cm

• Sleep 8 | 2004

Sleep | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 152 cm x 111 cm

• Epiphany | Epiphany III (Presentation at the Temple) | 1998

Epiphany | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 210 cm x 310 cm | Barry Friedman, New York

• Epiphany | Die Erweckung des Kindes (The Resurrection of the Child) | 1997

Epiphany | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 150 cm

• Epiphany | Epiphany I (Adoration of the Magi) | 1996

Epiphany | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 210 cm x 333 cm | Denver Art Museum | Kent Logan Collection

• Paradise Burning | The American paintings III | 2003

Paradise Burning | The American paintings III | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 116 cm x 147 cm

• Paradise Burning | The American paintings III | Stage Fright | 2003

Paradise Burning | The American paintings III | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 157 cm x 203 cm

• Paradise Burning | The American paintings III | I Walk Alone | 2003

Paradise Burning | The American paintings III | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 121 cm x 172 cm

• Paradise Burning | The American paintings III | Leda and the Swan | 2003

Paradise Burning | The American paintings III | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 142 cm x 203 cm

• Paradise Burning | The American paintings III | The Flesh is Weak | 2003

Paradise Burning | The American paintings III | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 96 cm x 152 cm

• Paradise Burning | The American paintings III | Dark Hour | 2003

Paradise Burning | The American paintings III | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 96 cm x 152 cm

• Paradise Burning | The American paintings III | Midnight Mickey | 2001

Paradise Burning | The American paintings III | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 216 cm x 300 cm

• Downtown | The American Paintings II | Downtown 19 | 2002

Downtown | The American Paintings II | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 101 cm x 66 cm

• Downtown | The American Paintings II | Downtown 16 | 2002

Downtown | The American Paintings II | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 66 cm x 96 cm

• The American Paintings | Untitled | 2000

The American Paintings | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 213 cm x 163 cm

• The American Paintings | Suspects I (The Three Graces) | 2000

The American Paintings | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 241 cm x 190 cm | Martin Muller, San Francisco, San Francisco

• The American Paintings | American Prayer | 2000

The American Paintings | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 213 cm x 187 cm

• The American Paintings | Art in America | 2000

The American Paintings | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 198 cm x 274 cm

• The American Paintings | Cops I (Little Women) | 2000

The American Paintings | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 152 cm x 195 cm

• Oil and acrylic 1988 – 2000 I | Head of a Child III | 2000

Oil and acrylic 1988 – 2000 I | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 299 cm x 218 cm

• Oil and acrylic 1988 – 2000 I | Head of a Child 5 | 1998

Oil and acrylic 1988 – 2000 I | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 109 cm | Vicki and Kent Logan | San Francisco

• Oil and acrylic 1988 – 2000 I | Kiss I | 1998

Oil and acrylic 1988 – 2000 I | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 160 cm x 106 cm

• Oil and acrylic 1988 – 2000 I | Lest you forget | 1995

Oil and acrylic 1988 – 2000 I | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 153 cm x 380 cm

• Oil and acrylic 1988 – 2000 II | Righteous Men | Righteous Man V (Blue Boy) | 1999

Oil and acrylic 1988 – 2000 II | Righteous Men | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 192 cm x 150 cm

• Oil and acrylic 1988 – 2000 II | Righteous Men | Righteous Man III (detail) | 1991

• Oil and acrylic 1988 – 2000 III | Ascension | 1995

Oil and acrylic 1988 – 2000 III | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 212 cm x 141 cm | Margret Jhin Walsh, San Francisco

• The Child Dreams | The Child Dreams 6 | 2011

The Child Dreams | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 240 cm x 437 cm

• Self-Portraits 1989 – 1993 | It’s only Rock ‘n’ Roll II | 1993

Self-Portraits 1989 – 1993 | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 210 cm x 310 cm

• Self-Portraits 1989 – 1993 | Self-Portrait 29 | 1991

Self-Portraits 1989 – 1993 | Mixed media (oil and acrylic on canvas) | 210 cm x 140 cm

400.000 Euros de Escombro.

Escombros y descampados en la instalación de Lara Almarcegui para la Bienal de Venecia

16.05.13 | 13:05h. EUROPA PRESS | MADRID  

Lara Almarcegui y su escombrera....

La artista aragonesa Lara Almarcegui representará a España en la 55 Bienal de Arte de Venecia con una amplia instalación en el Pabellón de España basada en escombros y descampados, que incluye un proyecto de investigación sobre la isla Sacca San Mattia de Murano, y que tiene un coste total de 400.000 euros.

Según ha explicado este jueves en rueda de prensa la propia artista, esta instalación pretende ser una "reflexión sobre un edificio cuando deja de serlo tras ser demolido". Y es que la obra de Almarcegui parte de la toma de conciencia de la ciudad, de sus descampados y de sus edificios como punto para reflexionar sobre la evolución de la propia urbe y los elementos que la componen.

Bajo el comisariado de Octavio Zaya, Almarcegui presenta en la sala central del Pabellón de España una gran montaña de grava resultante de triturar cemento, tejas y ladrillos, haciendo casi imposible acceder directamente al espacio.

Otras montañas menores, hechas cada una de un solo material (serrín de madera, cristal y la mezcla de escoria y ceniza de acero), estarán ubicadas en las salas perimetrales.

Las montañas están hechas de los mismos materiales de construcción y en igual cantidad que los empleados por Javier de Luque para erigir el edificio del Pabellón de España en 1922.

"Pretendo desmontar la idea idealizada de la arquitectura con toneladas de esos materiales que quedan al demoler un edificio y reducirlo a escombros. Me interesa hablar del lugar donde estamos para entender el entorno, quiero desmontar y analizar la realidad del lugar", ha explicado.

Para el Comisario Octavio Zaya, "el lugar es el verdadero sujeto de la obra de Lara", en la que hay una "voluntad no de construir, sino de reconstruir", para lo cual "inserta todo dentro de un contexto marcado por la problemática del lugar".

ISLA DE MURANO

A su vez, junto a Murano, Almarcegui ha desarrollado 'Guía de la Sacca San Mattia, la isla abandonada de Murano, Venecia', una investigación en torno a la Sacca San Mattia, una isla que se ha formado con escombros de cristal de la industria de Murano y que está muy próxima al Pabellón de España.

El proyecto consiste en el estudio de un descampado en dicha isla, cómo se formó, el presente geológico y medioambiental del lugar, los proyectos que se han planeado para él y por qué estos no se han llevado a cabo.

Se trata de un antiguo vertedero abandonado, creado entre las décadas de 1930 y 1950 con rellenos de escombros y dragados de laguna. Con 26 hectáreas de extensión sin construir, es el espacio disponible vacío más amplio de Venecia.

La presidencia de Acción Cultural Española (AC/E), Teresa Lizaranzu, ha asegurado que el de Almarcegui es un "proyecto de primer nivel", al tiempo que ha defendido el apoyo público español a este tipo de eventos porque sirve para fomentar el "diálogo entre artistas" y para ayudar a los creadores españoles.

 

Click  aquí: Un montón de palabras bonitas para justificar lo que es:

 UNA MONTAÑA DE CASCOTES: 400.000 Euros BRAVO!

Propongo esta alternativa que abarca los 5 sentidos de una forma embriagadora.



Esta imagen de un vertedero Mexicano es de una " Plasticidad" (literal) exquisita.

 

 

 

Una vara de paja... ¿Escultura?

Escultor irlandés Patrick O'Reilly http://www.patrickoreilly.ie/ ha instalado su última escultura monumental en una iglesia en Dublín. Inspirado por la serie de pinturas de Pajares de Monet, la obra del artista 30 pies le llevo más de 5 meses para instalarla. (Fuente: Saatchi Gallery)
La iglesia en cuestión es St Alphonsus en Drumcondra, Dublín. Ahora desacralizada, es el estudio de O'Reilly

The Consideration of the Planets , 2013. St. Alphonsus en Drumcondra, Dublín

Todo lo que veo aquí es un pajar demasiado lejos del campo.

¿5 meses? ¿la habrá hecho usando un tenedor de postre? Dile a un agricultor que llevó 5 meses hacerla y se mea de risa.

Esto es otra obra da arte en vías de extinción de nuestros paisajes. Foto de Jacilluch

Comparar la Vara de paja de Patrick O'Reilly con las de Monet me parece un tanto... Ejem....

Claude Monet. Varas de Paja

'Performance' por las víctimas de ETA. Peliagudo tema...

Valiente ¡SI!, pero ¡NO ES ARTE!

¿Es una Pantomima macabra. En busca de sensacionalismo?

 No lo sé... pero espero que NO...



Mi admiración por la acción... pero en cuanto al hecho como arte.. insisto... No ES ARTE.

J.M. Alonso | San Sebastián

02/05/2013http://www.elmundo.es/elmundo/2013/05/02/paisvasco/1367498369.html

El artista granadino Omar Jerez ha querido hoy rendir su particular homenaje a las víctimas de ETA con una performance en San Sebastián que ha encerrado una crítica al nacionalismo radical, a quien asemeja con el nazismo.
Caracterizado como una víctima de un atentado terrorista, ataviado con ropas quemadas y con pintura roja por el cuerpo para emular la sangre, el artista ha recorrido durante un cuarto de hora las calles de la Parte Vieja de San Sebastián, el "epicentro del nacionalismo" en la capital guipuzcoana, simulando llevar entre los brazos un cadáver cubierto por una manta.
Su acción, iniciada a las 12.00 horas en los aledaños del Museo San Telmo, ha despertando la extrañeza y la incredulidad de las numerosas personas que ha ido dejado atrás a su paso, entre ellos turistas y trabajadores, que no acertaban a comprender el motivo de esta presencia, por lo que tenido que preguntar a los medios de comunicación para conocer el significado de la performance.
En su recorrido, Jerez ha pasado a modo de homenaje por tres escenarios donde ETA segó la vida de otras tantas personas: el empresario José Manuel Olarte, que recibió un tiro en la nuca cuando jugaba a cartas en la Unión Artesana en 1994, el hostelero y ex jugador de La Real Sociedad José Antonio Santamaría, asesinado en de 1993 en la sociedad Gaztelupe, y el portavoz del PP en el Ayuntamiento donostiarra, Gregorio Ordóñez, que fue asesinado de un tiro cuando se encontraba en el bar La Cepa en 1995.
En su caminar, el artista ha recorrido la calle Juan de Bilbao, lugar de encuentro del entorno radical, entre banderas en favor de los presos de ETA, para denunciar que en este espacio donde se concentran las herriko tabernas "ellos homenajean asesinos" y él "a seres humanos", según ha relatado a los medios al final de su recorrido.
"He hecho el contraste de homenajear a los que han recibido un tiro en la cabeza por los que ellos denominan presos políticos, eso es una barbaridad, no se puede llamar a alguien preso político es un asesino, un psicópata", ha censurado.
Con la performance "Omar Jerez en el País de las Maravillas", ha querido hacer una similitud con el famoso libro de Lewis Carroll porque este libro toca "la sátira política, el disparate y la lógica" y el artista intentar ver donde está la «lógica de la muerte y el disparate» de esta sociedad "que no se sostiene".
"Cuando Alicia o una personas externa entra a este país de las maravillas solamente lo es para unos cuantos, no para el resto de la sociedad y si no piensas como la izquierda abertzale no estás dentro de ese conglomerado ideológico", ha detallado Jerez, de origen judío, quien ve los "mismos componentes" entre el nacionalismo radical y el nazismo en cuanto al "germen ideológico".
Esta performance tiene su origen tras la acción que llevó a cabo en diciembre en una galería valenciana, cuando recreó por espacio de una semana el zulo en el que estuvo secuestrado el funcionario de prisiones José Antonio Ortega Lara, porque cree que "no quedó suficientemente claro que en este país se condene al terrorismo".
Según ha afirmado, "hay mucho intelectual que ampara a ETA" por lo que ha decidido "ponerles la muerte en la cara para que sea más contundente" el mensaje que quiere trasladar.
Jerez ha lamentado que su anterior performance "no se comprendió con suficiente claridad y rotundidad", con «bastantes críticas» del "gremio de izquierdas" por, según ha explicado, defender a "un carcelero de mierda".
Por ello, ha animado a los artistas plásticos a que sigan su ejemplo y se posicionen a través del arte en contra de ETA y del nacionalismo radical. Él, por su parte, tiene previsto seguir por esta línea en próximas acciones, aunque no ha querido dar más detalles.
El artista, en todo caso, se ha desvinculado del Colectivo de Víctimas del Terrorismo del País Vasco, Covite, que le ha prestado apoyo técnico para esta iniciativa, ya que "no tiene nada que ver" con esta asociación, si bien ha querido transmitirle su "cercanía".

 En cuanto a su anterior acción/protesta ( lo que sea...) más teatrillo de truculento.
Muy reivindicativo, muy el dedo en la llaga... muy heroico...
y si les resulta molesto a los "BATASUNIS" ¡pues me alegro mucho!
si ese es el objetivo último... pero deja un tufillo a mercadeo con las victimas del terrorismo que me incomoda... y cabrea.


De Izquierda a derecha. Ortega Lara secuestrado por E.T.A durante 532 días. Omar Jerez Disfrazado y la puerta de la galería La Mutante con un "mensaje" de los malnacidos. 

El Performer no llego a cumplir su objetivo de permanecer encerrado ( 8 días) en condiciones parecidas al las de la víctima del secuestro...
El Calvario de Ortega Lara queda fuera de los parámetros de nuestra imaginación.

 

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/12/04/valencia/1354632642.HTML

El artista que recreó el zulo de Ortega... por cerestv

 



Performances... Hipsters...

Video creado por un artista (?) suizo, Milo moiré, que quiere sacudir un poco los viajeros diarios (que van por la mañana, en el transporte público de Düsseldorf). El maniquí ha escrito en el cuerpo el nombre de la ropa que lleva.

http://www.rtbf.be/purefm/article_nue-dans-le-tram-une-performance-artistique?id=7986682

 

 

Es digno de destacar la indiferencia total del personal al contemplar las evoluciones de la chica en cuestión, que paradójicamente lleva zapatos de tacón en lugar de llevarlos escritos... al igual que su bolso y sus gafotas de pasta.

LAMENTABLE... VACUO... E IDIOTA a partes iguales.

Como veo que el Capitán se está cebando con las performances, me veo en la obligación moral de defenderlas un poco, pero con moderación.

"¡Hans!, ¡Guarda los palos con clavos!"

Y para ello, quería retomar unas cuantas performances chulas, chulas, de un tipo de bigote retorcido y tirando a taurino con un tal Philippe Halsman. Evidentemente, para que la persona que posa sus ojos sobre estas líneas (Frase estúpida para no tener que escribir lector o lectora, que rompe el ritmo de mi argumentación) disponga de un material adecuado para formar su propia opinión, quise poner un link a la sacrosanta wikipedia. Y, ¡Oh!, sorpresa. La primera en la frente.

Artículo en castellano para performance. Como instrucciones: Abrir el link, leerlo, releerlo, abrir "discusión" de wikipedia, corroborar lo que tu y yo estamos pensando, buscar en inglés. Evidentemente, la explicación que obtenemos es vacía y rimbombante, sin dejarnos nada claro que es una performance (De nuevo, recomendamos el inglés). Es más, encontramos una clara ambigüedad. Performance en castellano es un totum revolotum, donde cabe casi de todo. Por contra, en inglés, se diferencia entre performance (realización-interpretación de cualquier cosa) y performance art (el Arte), siendo lo segundo lo que estábamos buscando poneros. El caso: Siempre podemos argumentar que los hispanohablantes no comprendimos muy bien el término...

Pero hay otro gazapo en la wiki. Revisen las imágenes, por el amor de Kant ¿Se nota alguna diferencia? Veámoslo más de cerca con su pie de imagen original:

"Mimo y pintura"

Si. Si pintas, es una performance. Si vas de "mimo" y haces cualquier otra cosa, también es una performance. Gracias wikipedia.

"¡Hans!, ¡Trae los palos!"

In Voluptas Mors (1951)

A lo que veníamos, la performance. Su título: In Voluptas Mors (1951).  La idea es bastante simple, un recordatorio de que todos terminaremos cascándola con un toque sensual y un diseño impecable. Ojo, y sin que se llegue a mostrar ningún Monte de Venus en el proceso, algo harto complicado. La obra tiene miga por otro motivo. No se trata de una performance simple, es un photoperformance, "quicir", una performance pensada exclusivamente como fotografía. Los límites de que tipo de arte es los dejo a su elección, pero el caso es que así se denominó en su momento.

¡Oh, que chulo! ¡Que sutileza! ¡Que buen gusto! ¡Que...! Y demás maravillas que soltará la gens al  enterarse que el diseño es de Salvador Dalí.

Dalí metiendo mano a diestro y siniestro (Ojo al chiste, que usa las dos manos).

Ahora de verdad. El diseño era pormenorizado por parte de el Sr. Salvador, con montones de bocetillos e ideas que ya había empleado en sus pinturas, como en Faces of War (1940) con unos toques de Arcimboldo. 

 Faces of War (1940). Un memento mori como otro cualquiera, pero bien bonito.

Pero no se queda ahí el tema. Lo peor es que hasta el más común de los mortales (con acceso a internet o a revistas de cine) lleva viendo esta fotoperformance muchos años. ¿No lo crees?

Efectivamente y si. En la imagen arquetípica del silencio de los corderos, con esa polilla tan grande (o Acherontia Atropos, ya empleada por Conan Doyle, pero eso es otra historia...), la calavera es en realidad la photoperformance de Dalí y Halsman.

Ah, pero no es la única película que arrima el ascua a su sardina... ¿Verdad "The Descent"?.

Conclusión:

1. Cuidado con Wikipedia.
2. Las performances pensadas molan más y trascienden.

Para más información:

• http://foto-history.livejournal.com/3430504.html#cutid1
• http://archive.diary.ru/~artgalery/?
• http://www.wicked-halo.com/2009/03/in-voluptate-mors-and-the-movie-posters.html
• http://www.dali.com/